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La Marca de los Juegos Olímpicos Tokyo 2020 / La Rigidez Flexible


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El carácter del japonés está signado por varios factores, entre los que se destacan el respeto, la perseverancia y la disciplina.

Pese a que en algún contexto pueda sonar antipática, Disciplina no es una “mala palabra” y no necesariamente refiere a una institutriz intransigente o a un cínico profesor que corrige a sus alumnos a golpe de regla.

Disciplina es método, es decisiones claras, es objetivos bien marcados y también es saber corregir a tiempo lo que sea necesario, sin caprichos ni medias tintas.

El camino hacia un logo o una marca correctamente diseñada es, necesariamente, extenso y laborioso donde “creatividad y disciplina” van de la mano en todo el proceso para lograr un producto final exitoso.

En el caso de la búsqueda de un logo para un mega evento como los Juegos Olímpicos dicho camino debe ser profundamente riguroso y exhaustivo. La ocasión lo amerita, y la decisión que se tome influirá de forma determinante en la identidad del evento en todos sus aspectos.

Miles de participantes envían sus propuestas de marca al comité según las normas correspondientes para luego someterse al proceso de selección. A efectos prácticos, la elección corre por cuenta del jurado de notables profesionales pero inmediatamente se verá sometida a la reacción del publico, que no tarda en dar su respuesta en redes sociales, blogs, etc.

Vivimos en tiempos de inmediatez y sobreexposición de la información, donde el “qué dirán” cobra una importancia tal que puede cambiar el rumbo de decisiones que hace décadas hubieran sido indiscutibles. La reacción del publico es inmediata e influyente.

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Es de público conocimiento la polémica generada por la denuncia de plagio realizada por un diseñador belga, creador del logo del “Thèâtre de Liège”, cuando se presentó la primer marca ganadora de Tokyo 2020 en 2015.

Comparando ambas marcas, es posible que ambos diseñadores hayan llegado a un lugar común sin que haya habido necesariamente una intención de plagio por parte del japonés (incluso sería extremadamente iluso de su parte presentar algo a sabiendas que es una copia para un evento de tanta exposición y esperar que nadie lo note). Siempre será discutible.

El sólo hecho de que haber generado tamaña polémica, suspicacias e incluso burlas fue motivo suficiente para desestimar el proyecto y volver a convocar a concurso.

Ofrecidas las disculpas del caso, fue momento de “dar vuelta la página”, una actitud superadora típica del espíritu nipón para sobreponerse a la adversidad.

La rigidez flexible

Tras la nueva convocatoria, se recibieron cerca de 15.000 propuestas y la decisión se volcó sobre una idea que asegure no estar ni cerca de “lugares comunes”.

Una marca señorial y de sofisticada elegancia, que a su vez rompe con “lo esperable” en una era donde las marcas de los mega eventos deportivos tienden al dinamismo de trazos danzantes y a estilizadas figuras antropomórficas.

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La nueva marca de Tokyo 2020, creada por el artista Asao Tokolo es un emblema complejo y armónico en un formalísimo azul oscuro.

Sólido pero liviano a la vez, la marca remite su origen a un patrón textil llamado “Ichimatsu moyo” cuya historia se remonta teatro Kabuki del período Edo, donde el actor Ichimatsu Sanogawa utilizaba vestimentas con texturas cuadriculadas como un damero.

La estricta cuadrícula en blanco y negro aplicada a la tela de kimono con múltiples pliegues y curvas, genera una interesante textura que desafía la rigidez del patrón convirtiéndola en un juego de curiosas perspectivas, comparable con un caleidoscopio o con el entonces inexistente “optical-art”.

Asao Tokolo, artista y arquitecto nacido en Tokyo, es un experto en patrones y texturas y ha realizado gran cantidad de notables proyectos aplicados a arquitectura, diseño de productos y comunicación visual.

En la creación de este emblema cinético que denota dinamismo sin tener que decirlo “a gritos” también simboliza “unidad en la diversidad” refiriendo a que gente de distintas partes del mundo se unirán en Tokyo para celebrar los Juegos Olímpicos.

Es curioso que luego de tanto trabajo, propuestas enviadas, idas y vueltas, la marca definitiva esté tan relacionada con el logo previo a la elección, cuando Tokyo era aún “Ciudad Candidata”. Un circulo conformado por varios elementos vuelve a hacerse presente, casi irónico… todo es cíclico, todo vuelve.

La marca final, es profundamente pertinente con todo lo que representa realizar unos Juegos Olímpicos en una ciudad increíble como lo es Tokyo. Lo complejo pero equilibrado y pulcro aunque vibrante y plural, habla también de ese “laberinto” repleto de sorpresas que es caminar por las calles de la capital japonesa.

Detrás de la impecable solemnidad de la marca se espera una auténtica fiesta de color y variedad. Ver al primer ministro Shinzo Abe en persona disfrazado de Super Mario ante los ojos del mundo en la ceremonia de cierre de Río 2016 fue un mensaje muy claro del espíritu alegre y apegado a la cultura pop en todos los niveles sociales. “Unidad en la Diversidad” también se aplica al espíritu de la sociedad japonesa tan llena de contrastes como la cuadrícula “Ichimatsu moyo”.

César Zanardi es Diseñador Gráfico e Ilustrador, representante de Bravis International (Japón). Ha trabajando en proyectos de comunicación visual para varias de las principales marcas japonesas de consumo masivo, diseño de juguetes y accesorios. www.bravis.com | www.cerritomisterio.com

La Crítica – Suplemento DNI

La marca de los Juegos Olímpicos Tokyo 2020, “La rigidez flexible”

por César Zanardi

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FREDDY MAMANI / PreTMDG16


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Trimarchi cumple 16 años y en todas sus ediciones ha convocado a valiosos referentes, ¿cuáles son sus expectativas para su participación en esta nueva edición?

Es un honor participar en este tipo de actividades como es Trimarchi donde nos dan la oportunidad de hacer conocer nuestro talento nuestra creatividad personal de cada artista en este caso como es la arquitectura en Bolivia.

¿Qué le comentaron o saben acerca del evento que se realiza en la ciudad de Mar del Plata?

No me comentaron, la verdad no sabia del evento pero me informe de que es muy relevante en la región.

Tenemos curiosidad por la temática de su presentación, ¿nos podría adelantar cuál será el eje?

Será enfocado en la IDENTIDAD Y VALORES.

Muchas personas que pertenecen a una nueva generación de diseñadores, comunicadores, creativos y artistas (entre otros) asistirán a este evento, ¿hay algún mensaje o deseo que quisiera transmitirles?

Más que un mensaje, creo que cada uno venimos con la expectativa de mostrar nuestra creatividad y a aprender de los demás.

¿Nos compartiría en qué proyecto/s está trabajando actualmente?

Estoy construyendo un Hotel en Potosi al sur de Bolivia.

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Sobre FREDDY MAMANI
Bolivia

El pequeño niño, nacido en medio de las casas de paja y adobe del altiplano, constructor de siempre, trabajador empedernido, hoy se muestra ante el mundo, como el nuevo referente de la Arquitectura Neo Andina.

Un pequeño lápiz y un papel cualquiera, han sido suficientes para plasmar y proyectar los bellos palacios alteños. La tierra, la arena, el cemento, la loza, el yeso, los múltiples colores de pinturas, la pala y el pico son parte de su vida.

Freddy Mamani Silvestre es el arquitecto del pueblo, que ha logrado, en poco más de 10 años, transformar la estética urbana de la otrora ciudad más pobre de Latinoamérica.

Para Mamani, Tihuanacu es el principio, la esencia de cada una de sus obras, que logra comunicarse con otras referentes modernos del mundo global. En sus diseños, fácilmente se abrazan el pasado vivido con el futuro por vivir.

Hoy el mundo mira a Bolivia con otros ojos: con asombro, con admiración, con pasión, con ganas de conocer lo lindo de El Alto, su gente y su arquitectura.

+i: http://www.trimarchidg.net/artista/freddy-mamani/



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+i:  www.trimarchidg.net / tickets: www.trimarchidg.net/tickets

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TMDG15 / La niña bonita del diseño cumplió 15 años


El pasado 25, 26 y 27 de septiembre, se celebró la décimo quinta edición del Congreso de Diseño Grafico y Audiovisual, TRImarchi DG, el cual contó con más de siete mil asistentes, que quedaron con las pilas cargadas hasta la edición 16.

Haber agotado campo por primera vez antes de que el evento comience, ya nos anunciaba que esta edición era diferente.

Pero no fue solo una cuestión de cantidad. Sino, el valor humano y la interacción que se vieron representados en este evento.

Los conferencistas, como en un viaje de amigos, se encontraron y entablaron una relación súper afectiva. Se trazaron muchos planes para continuar durante el año, y eso mismo veíamos en el publico.

Esa salsa de miles de diseñadores y creativos desde todo el continente, interactuando, co-creando. La red del evento ya nos excede, ya no somos un encuentro y ya. Esta fecha es solo el encuentro anual de una comunidad viva y activa, que decide y crece orgánicamente.

Los 15 llegaron muy afianzados, a mostrar un TRImarchi maduro, arraigado, con aires de clásico, pero con toda el ímpetu de una vanguardia activa.

Parece un evento enorme, pero son muchas minorías reunidas, un underground masivo.

Catapultando realidades, y visualizando un futuro posible.

Somos un caldo de cultivo, los jóvenes que piensan, el lado nerd de la joda, y vamos por el 16!

La décimo quinta edición de TMDG contó con las conferencias de Kate Stone, Jean Julien, Carl Sprague, Lumbre, Fred Deakin, Lance Wyman, Xavier Gallego R/GA, Liniers, Tony Alva, Edgardo Gimenez, Gustavo Sala, Hernán Ordóñez, Rocambole, Candido Can, Design Collector y Pimp My Carroça.

Además a lo largo de esta edición se presentaron las bandas y músicos, tales como: Mutantes del Paraná, Nina, Nelumbo, Mi Amigo Invencible, Army of Dub, y un cierre a todo dar, a cargo de Daniel Melero.

El Festival Audiovisual, Buenas Noches TRImarchi, por su lado, contó con las presentaciones de: Fred Deakin, Tierra de Nadie, Djs Pareja, Vj Eze Matteo, 2PAPI, Fok Electrochongo, The Kenko, PCC, Vj Tulio, Barbados, Camposanto, Los Cometas, SLNT, Nitanoco, Lionel Pardo, Li Ground, Vj Emi Montani, Vj Daniela Ileana, Daleduro, Psicotropicante, Antonio Savasta, DJ Karen, Cuchodub, Pato O´connor, Santiago Martinez, Agus Adba, Pacheco, Mati Nuevo, Glowjob, Zoelandia, Panther Panther (UK), Morbo y Mambo, Chico Unicornio, Instalación Cosmiko + Nave Arcade, Lucas Luisao y más.

Dentro de los siete mil asistentes que se dieron cita este año, se destacan las visitas de Charly Alberti, Daniel Melero (quien realizo el cierre musical del TMDG15), BoomBoomKid (quien realizo un dj set en casetes, el domingo por la tarde), Martín Piroyanski, y el aval de los Babasonicos.

Se vienen grandes noticias para el 2016, pero por ahora solo les agradecemos el apoyo que siempre nos brindan y seguimos a su disposición por cualquier duda o consulta.

Para más información: http://www.trimarchidg.net

Para ver la cobertura de DGCV™ alta definición: https://www.flickr.com/photos/dgcv/albums/72157659948369991

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LUMBRE / Previa de preguntas TRImarchi15 por DGCV™


Previa de preguntas a LUMBRE para TRImarchi15 / La niña bonita del diseño.

por DGCV™ / Portal informativo sobre Diseño Gráfico y Comunicación Visual.
www.dgcv.com.ar

1 – Trimarchi cumple 15 años y en todas sus ediciones ha convocado a valiosos referentes, ¿cuáles son sus expectativas para tu participación en la edición 2015?
LUMBRE: Nuestras expectativas son altísimas porque como siempre los conferencistas son todos súper grosos. Es un honor para nosotros poder compartir el escenario con semejantes artistas y diseñadores. Siendo conscientes de la magnitud que tiene el evento no solo a nivel nacional sino mundial, LUMBRE lo va a dar todo en esta edición.

2 – ¿Qué les comentaron o saben acerca del evento que se realiza en la ciudad de Mar del Plata?
LUMBRE: Julián, uno de los miembros de LUMBRE es de Miramar, así que tenemos guía de lujo para Mar del Plata! Sabemos bastante sobre Trimarchi, obviamente. Todos los miembros de LUMBRE hemos ido alguna vez o más como espectadores y/o conferencistas por otros proyectos de los que participamos. Estamos seguros de que el evento va a colmar todas nuestras expectativas respecto a aprender, flashear, conocer gente interesante y divertirnos a full.

3 – Tenemos curiosidad por la temática de su presentación, ¿nos podrían adelantar cuál será el eje?
LUMBRE: La charla se llama “La caja negra de LUMBRE”. La caja negra contiene cada decisión tomada, cada acción realizada, cada palabra dicha en un viaje. El domingo 27 de Septiembre, el equipo de LUMBRE en su totalidad llega chocado pero vivo y bien, y va a abrir su caja negra para compartir todos los secretos de su viaje a través del diseño en movimiento para todos los que vengan a Trimarchi (y se puedan levantar a tiempo!). Vamos a mostrar bocetos, proceso y trabajos terminados tanto de los 5 años de LUMBRE como de los 13 años anteriores a los que fundamos el estudio. Además, cada miembro del equipo va a tener su momento para hablar de la experiencia de ser diseñador en LUMBRE.

4 – Muchas personas que pertenecen a una nueva generación de diseñadores, comunicadores, creativos y artistas (entre otros) asistirán a este evento, ¿hay algún mensaje o deseo que quieran transmitirles?
LUMBRE: Tan viejos somos??? Jaja! Nosotros nos consideramos de la generación actual! Un deseo?… Que nos unamos para que Latinoamérica siga siendo una opción fuerte en el mercado mundial del diseño.

5- ¿Nos compartirías en qué proyecto/s estás trabajando actualmente?
LUMBRE: Estamos con varios proyectos muy interesantes y grandes y, por supuesto, los vamos a mostrar en Trimarchi!



LUMBRE
Argentina

Animación es dar vida a las cosas, la lumbre divina, poniendo ritmo a elementos que conviven en una composición.Conocíamos a Lumbre por su pasado en Medialuna, una de las conferencias mas festejadas de TRImarchi, en el 2007.Este nuevo proyecto nos adentra a una detallada animación, un modelado quirúrgico y un uso elegante de los recursos. La animación sudamericana llevada a un estado de madurez.Esos domingos que el estadio se transforma en un cine inmenso, la mejor manera de volver a la vida después de la fiesta del sábado. Una charla de buen motion graphics.

Para más información: www.lumbre.tv

TRIMARCHI 2015
ENCUENTRO INTERNACIONAL DE DISEÑO. 25, 26, 27 SEPT 2015.
MAR DEL PLATA, ARGENTINA
+i: http://www.trimarchidg.net/

No te quedes afuera de esta edición especial, asegurá tu ticket ingresando en http://www.trimarchidg.net/tickets/

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PETRONI/VOLIAKOVSKY / Sur Polar VI


Sur Polar VI
PETRONI/VOLIAKOVSKY

Inauguración miércoles 5 de agosto 15hs
Museo Malvinas E Islas Del Atlántico Sur (Av. Libertador 8151) C.A.B.A

La memoria intangible de los días pasados allí. El paisaje era siempre el mismo, la gente era siempre la misma, las actividades eran siempre las mismas. Lo que cambiaba era uno con respecto a estas situaciones y el paso de los días.

El cuerpo se adaptaba al frío, a las actividades y hasta al paisaje, lo que no se adaptaba era la cabeza. Cada día aparecían nuevos sentimientos en relación al encierro, el aislamiento y el sentimiento de estar al limite de algo. Al limite de la comprensión mental o algo así. O esa, es la sensación que produce estar al limite del mundo.

Los días pasaban, la sensación de transformarse en un palimpsesto aumentaba. Cada día se escribía sobre el anterior. El cuerpo disociado realizando actividades en pro de una supervivencia mas mental que física. No es el clima, lo mas extremo en la antártica, sino, el estado que uno experimenta en el limite del mundo.

Conferencia sábado 15 de agosto 16hs
Del 5 de agosto al 27 de septiembre permanece la muestra

PETRONI/VOLIAKOVSKY
http://petroni-voliakovsky.tumblr.com/
petroni.voliakovsky@gmail.com

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AGI OPEN 2014 EN SAN PABLO / Crónica de Lucas López


La previa de la segunda jornada de AGI Open, antes de subir la rampa circular al auditorio, ofrece un clima de intercambio amable entre pares y asistentes. Abre el mexicano Alejandro Magallanes (foto), quien exhibe su proyecto de conciencia No More Blood y sus afiches del Festival de la Memoria para Chile, Cuba y México, entre otros países. La gráfica multicultural de Magallanes reflejan la experiencia personal del autor, cuyo proceso incluye materiales residuales y de segunda selección como esponjas, fósforos y objetos que entrama de forma salvaje con textos a mano, manchados o borroneados. A través de la memoria, rescata las raíces aztecas y las culturas del pasado. Para Magallanes, “México es una metáfora de la ciudad”, y trae los nombres de Juan Villoro y Fernando Lobo, además de los generacionales Jorge Alderete y Café Tacuba.

Más tarde, el diseñador y profesor coreano Ahn Sang-Soo exhibe el proyecto Paju Tipography Institute, de amplia filosofía oriental, orientado a la educación del diseño y las artes. Bajo el concepto de “la educación del diseño es el diseño mismo”, Soo genera un especial interés en la audiencia con su proyecto educativo “De Basel a Bauhaus”. También con influencias de Bauhaus Dessau, Beuys y el video arte, los alemanes Detlef Fiedler y Daniela Haufe, de Cyan desafían los parámetros de la lectura a través de una gráfica al límite que denota una vasta formación y cultura visual. Tan desparejos en su presentación, como singulares en su portfolio, Cyan propone un diseño racional con un uso único de la grilla y las columnas.

Luego, la brasileña Elaine Ramos, una de las figuras actuales del diseño editorial, define con encanto y sensibilidad femenina una obra gráfica sin fisuras. A través del uso del metalenguaje, como directora de arte para la editorial Cosac Naify, Ramos muestra la utilización de una variedad de tipografías y colores depurados, en función de la producción gráfica, el cálculo de los presupuestos y la lectura sin interferencias.

Luego de Elaine Ramos, el holandés Richard van del Laken utilizó el escenario con histrionismo y despliegue, que lo define como un maestro de ceremonias del diseño. Sus proyectos y acciones tienen repercusión en la política, el medio ambiente y el ámbito del diseño, como el congreso que organiza en Holanda “¿Que puede hacer el diseño?”. Gorilla, su columna de opinión gráfica humorística en el diario De Volkskrant promueve todo tipo de discusiones acerca de la religión, el papel de la OTAN, la Guerra Fría y la realeza, entre otros tópicos centroeuropeos.

Tras el almuerzo, uno de los momentos de mayor interés de la jornada estuvo a cargo del alemán Sascha Lobe. El brillante plan visual para Bauhaus-Archiv diseñado por su estudio L2M3 exhibe la pericia necesaria para convertir al proyecto en un lenguaje gráfico de excelencia, concebido desde el homenaje y proyectado hacia el futuro. Lobe repasó todo el proceso, desde la búsqueda tipográfica a la investigación de todos los archivos de Bauhaus, hasta llegar a la definición de una identidad que ya se encuentra en uso y consideración en la vía pública.

Con expectativas ante el final de la jornada, el maestro del afiche Michel Bouvet (foto) muestra sus piezas para la Opera de Massy, La Pepinière Theâtre y Les Gémeaux. Su destreza e incontinencia visual, por la cual es conocido en todo el mundo, mixtura técnica de collage, dibujos y tipografía a través de un proceso de trabajo propio de los artistas gráficos apasionados y sin tiempo.

Cierran AGI Open los japoneses Taku Satoh y Kenya Hara (foto) con estilos diferentes, pero unidos por una mirada reverencial frente al mundo. Satoh –haciendo caso omiso a su magnífico portfolio de trabajo para Issey Miyake–, expone acerca de un ambicioso proyecto para educar a los chicos en diseño. En tanto, Kenya Hara reflexiona acerca del diseño en la naturaleza y el concepto de lo desconocido, exponiendo el trabajo de distintos estudiantes de diseño que utilizan telas, vegetación y alimentos de forma muy original. Ambas experiencias, a través de un relato apasionado y docente, motivan el aplauso cerrado de toda la concurrencia. En el gran final de AGI Open se descorre el telón del auditorio dejando al descubierto el Parque Ibirapuera en toda su extension, con la totalidad de los conferencistas y organizadores sobre el escenario y el sol que cae en la tarde de San Pablo. La calidad y presencia de profesionales de todo el mundo convierte a AGI Open en un encuentro insoslayable. Aunque como sostiene con franqueza Adrian Shaughnessy en el catálogo “para muchos diseñadores, en especial aquellos que no son miembros, AGI es un encuentro auto-celebratorio para profesionales exitosos y no tiene relevancia en la práctica diaria” y para otros es solo un club de diseñadores de afiches, lo cierto es que desde su creación AGI Open refleja un creciente interés en la comunidad global del diseño, como queda demostrado año a año en los distintos países que visita y la asistencia de una audiencia que crece.

Crónica del AGI Open 2014 en San Pablo
Lucas López

Fotos cortesía AGI Open
Bruno Fujii
Henrique Nardi

Para más información:
http://2014.agi-open.com/

AGI OPEN 2014 EN SAN PABLO / Crónica por Lucas López, Día 1

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AGI OPEN 2014 EN SAN PABLO / Crónica de Lucas López


Desde su creación en 2010, AGI Open se convirtió en la antena del mundo del diseño. El mes pasado la reunión se realizó en el majestuoso Auditorio Ibirapuera de San Pablo. Con la presencia de diseñadores latinoamericanos pero supremacía de europeos, la audiencia, en su mayoría estudiantes y jóvenes diseñadores, asistió a un encuentro donde brillaron Marina Willer, Ruedi Baur, Enrik Kubel, Sascha Lobe y Kenya Hara. A excepción de unas pocos, todas las exposiciones fueron de alto contenido visual y narrativo, con puntos de interés en común. En tanto, la ausencia de la célebre Paula Scher poco se notó ante el invitado sorpresa Milton Glaser que, a través de un video desde su estudio en Manhattan, dejó respuestas amplias acerca de la vida (“no me puedo imaginar fuera de New York), el arte y las ideas en el diseño.

Tras la presentación de los organizadores Kiko Farkas y Rico Lins, la brasileña Marina Willer (foto) se hace cargo de la apertura de AGI Open. Con una alocución vivaz y espontánea, Willer comienza evocando las historias domésticas de su vida familiar, su condición de madre y un análisis de la creatividad popular. A su vez, como directora creativa de Wolff Olins y actual social de Pentagram, exhibe piezas de diseño global como Oi, Serpentine Gallery, Fundación Louis Vuitton y la innovadora imagen gráfica para la Tate Gallery de Londres.

En segunda instancia, la presentación del suizo Niklaus Troxler resultó similar a su charla en Trimarchi 2012. “Cuando ven mis afiches, me ven a mi”, afirma a medida que avanza su conferencia, donde subraya el uso del color y la profunda influencia del jazz en su vida. Así lo demuestran sus afiches para el Free European Jazz Unity (1975), Keith Jarrett Quartet (1978), Don Pullen Quartet (1978) y Sam Rivers (1979) entre muchos otros de su colección actual. La composición gráfica hasta el borde del plano representa un gesto que, según Troxler, “define mi libertad como diseñador”.

Con una presentación sólida y piezas gráficas contemporáneas, el danés Henrik Kubel (foto), de A2 (junto a Scott Williams) se presenta en el escenario proclamando “que dibuja tipografías para el 98% de sus proyectos de diseño”. Kubel deja constancia de su obsesion por la tipografía en proyectos minuciosos para el diario The Independent, Aperture Magazine, la editorial Faber & Faber y su emprendimiento tipográfico A2 Type. Además, Kubel cita a la tipógrafa Margaret Calvert, autora de la perfecta New Rail Alphabet, con quien desarrolla distintos trabajos de consultoría.

Tras unos minutos de intervalo es el turno del holandés Max Kisman, un emblema del diseño de los 90, que muestra su trabajo para Emigré y Holland Fonts. Con un vocabulario orientado a la ilustración, Kisman referencia sus comienzos para la escena del rock, cuando diseñaba afiches para Nick Cave, Nina Hagen, Johnny Thunders y John Cale. Luego, su presentación gira hacia sus influencias tempranas de parte de su padre turco, las rutas medievales del siglo XvIII y las relaciones culturales de los países balcánicos, que explican su estilo gráfico y sus exigencias como profesional.

Kisman ambientó el escenario para los franceses Change is Good, los enfants terribles del evento. Con citas a Malcolm Mclaren, PIL, Joy Division y los industriales Clock DVA, el dúo exhibe sus investigaciones urbanas en el campo de la comunicación visual, además de su gráfica para el festival de Chaumont, el Tape Festival y el Centro George Pompidou.

Tan experimental como Change is Good, el alemán Jan Wilker (nacido en Ulm e instalado en New York), es posiblemente uno de los pocos que hace alusión al tópico de AGI Open “Práctica profesional”. Con un gran manejo de la escena y el tiempo de exposición, Wilker repasa trabajos rechazados por sus clientes y sus fundamentaciones. Cierra con un clip de animación para los bailables GusGus que deja la sensación general de proyectos valiosos para no ser aceptados.

Por su parte, el diseñador Ruedi Baur (foto) se concentra en la ciudad, las instituciones culturales y su infraestructura. Baur exhibe parte de sus investigaciones y soluciones para la Estación de Trenes de París, hospitales y diferentes sistemas de señalética proyectados para el transporte público, el usuario, la circulación y el uso del tiempo. Según su mirada “ahora que somos millones, el diseño puede hacer mejor a las ciudades.” Crítico acerca de la sociedad actual y en particular de la verdadera representatividad de la marca país, sus frases resuenan desde el escenario. “Somos una sociedad cada vez menos transparente”, –señala Baur– “necesitamos una mejor representación de los sistemas democráticos.” Sus conceptos se complementan con soluciones visuales complejas, que sin embargo, apelan “a algún acto poético”, como en el caso de los hospitales públicos y los geriátricos.

El final de la primera fecha tiene como protagonista a la holandesa Nikki Gonnissen, quien hace un repaso por la cultura libertaria de Holanda del 60, citando como influencia al artista Win Tschippers, (a quien le diseñó un catálogo), Yayoi Kusama y el primer desnudo en la TV holandesa (un happening que resultó un paradigma de la época). Según Gonnissen, el diseño gráfico representa un permanente factor de cambio. Para el diseño de imagen del Museo Boijmans, se inspiró en el canónico diseñador estadounidense Lance Wyman (quien se encontraba en la sala) para México 68, creando una familia tipográfica manierista para la comunicación en afiches y catálogos.

Crónica del AGI Open 2014 en San Pablo
Lucas López

Fotos cortesía AGI Open
Bruno Fujii
Henrique Nardi

Para más información:
http://2014.agi-open.com/

AGI OPEN 2014 EN SAN PABLO / Crónica por Lucas López, Día 2

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EL AFICHE VUELVE A HABLAR / Por Lucas López


El afiche vuelve a hablar

Clarín, 20 de mayo de 2014

El libro A Vos Souhaits: Penser un Monde Nouveau, del diario francés L’Humanité, reivindica el papel de la gráfica uniendo escritos politicos y afiches. Como fue la participación del estudio argentino El Fantasma de Heredia.

El diario francés L’Humanité publicó A Vos Souhaits, un libro que reivindica el diseño de afiche en toda su magnitud. 

En sus 224 páginas, A Vos Souhaits: Penser un Monde Nouveau, editado a comienzos de 2014 por el prestigioso diario L´Humanité, recopila cincuenta entrevistas políticas (treinta y cuatro publicadas en el diario y dieciséis más proyectadas para el libro) que el diario le realizó a diferentes intelectuales sobre temas sociales de actualidad. La idea consiste en una doble página a todo color que publica el diario “creada, discutida y trabajada” por el célebre diseñador Gérard Paris-Clavel. El rasgo distintivo de la doble página es un afiche al lado ( l’affiche en regard) del artículo, cuya elección se convierte en una poderosa voz editorial, y configura -según el equipo de L´Humanité-, un espacio de investigación y experimentación para un nuevo imaginario político. Según prologa Paris-Clavel,”para mí, es un placer haber podido elegir y presentar en un diario, a lo largo de semanas, afiches internacionales -de distintos momentos históricos- (…) que tienen en común el compromiso de sus autores.”

Las entrevistas aparecen junto a diseñadores clásicos como Shigeo Fukuda, Felix Beltrán, Clément Boudin, Roman Cieslewicz, Grapus, Raoul Hausmann, John Heartfield, Thomas Theodor Heine, Werner Jeker, Henri Gustave Jossot, Andrzej Klimowski, Alain Le Quernec, Uwe Loesch, Shin Matsunaga, Kazumasa Nagai, Michel Quarez, Gunter Rambow, Raymond Savignac, David Tartakover, Henryk Tomaszewski y Niklaus Troxler, entre muchos otros que completan la lista. Algunos encuentros, a partir de lúcidas decisiones editoriales, se convierten en paradigmáticos, como Slavoj Žižek compartiendo página con la clásica propaganda “Golpea a un blanco con una cuña roja” (1920), de El Lissitzky o Francois Durpaire, con el afiche “Somos todos africanos”(2005), de Milton Glaser. Con un guiño de agradecimiento, al pie de cada afiche, se lee “con la amistosa autorización del autor”.

Invitados a participar por el periodista francés Thomas Lemahieu, que trabajó junto a Paris-Clavel, el estudio argentino El Fantasma de Heredia también forma parte del impecable A Vos Souihaits. Una oportunidad, que según confiesan, nunca imaginaron. El afiche de Anabella Salem y Gabriel Mateu ilustra una entrevista al historiador Emmanuel Todd. Según detalla Salem “con la intención de ampliar el proyecto y convertirlo en un libro, convocaron a algunos diseñadores e intelectuales más. A nosotros nos pidieron el afiche “Et noir” (2005) que habíamos creado en su momento, en solidaridad con los jóvenes franceses hijos de inmigrantes y editado junto a la radio comunitaria La Tribu.” De esta forma, como un archivo político de diseño y cultura visual, A Vos Souihaits se convierte en una saludable reflexión que “apuesta por pensar los cambios e inventar otros futuros”, según la mirada utópica (con un afiche al lado) de Paris-Clavel.


– Entrevista a Etienne Balibar con el afiche al lado de Gérard Paris-Clavel, ¿Quien tiene miedo de una mujer?, 1995, Francia. Un afiche en solidaridad con las mujeres argelinas.


– Shigeo Fukuda, Victoria, 1975, Japón. El afiche denuncia el absurdo de la guerra.


– Entrevista a Emmanuel Todd, con el afiche al lado de El Fantasma de Heredia, Et noir, 2005. Afiche creado en solidaridad con los jóvenes franceses hijos de inmigrantes.


– Entrevista a Slavoj Žižek, con el afiche al lado de El Lissitzky, Golpea a un blanco con una cuña roja, 1920, Rusia. Imagen de propaganda para los bolcheviques que luchaban contra el antiguo régimen zarista.


– Roman Cieslewicz, Zoom contra la polución de ojo, 1971, Polonia / Francia. El afiche denuncia la profusión de imágenes y la saturación visual.

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