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CÉLULA / Luz Peuscovich


CÉLULA
Las dimensiones cuerpo y territorio están en juego en este rito.

El espacio construido es un objeto-contexto que, como una antena, ecualiza frecuencias. Es una constelación de vínculos, un sistema de circulación abierta donde lo que importa no es solo el centro sino el conjunto y las diferencias que conviven.

En su interior lo vivo y lo muerto se nutren entre sí a diferentes niveles. Esa cualidad de lo orgánico es una paradoja en la que estamos metidos, la regeneración de la naturaleza implica ese doble vínculo.

La vida de una célula es un complejo sistema que constituye la unidad básica y funcional de todo ser vivo. Desconocemos el alcance de su resonancia, y no sabemos por qué existe.

Un conjunto de células, al formar un tejido, deviene en otra forma de vida más amplia. Es así que lo que importa no es la unidad, el centro, sino la inter-conexión.

Sentir el tejido está en juego en el reencuentro con la naturaleza y sus posibles manifestaciones.

Todo contexto depende de quien lo perciba y en la experiencia del recorrido se abre la información pertinente para cada cuerpo.

Luz Peuscovich nació en 1984 en Tandil (Argentina).

Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Plata, Curaduría y Gestión de Arte en la Universidad ESEADE (Buenos Aires) y asistió a los talleres de escenografía en el Teatro Colón (Buenos Aires) y seminarios de analisis de obra con Luis Felipe Noé.

Exhibió sus pinturas en exposiciones individuales y colectivas en varios espacios de arte en Buenos Aires.

A partir de 2009, sus investigaciones en pintura han sido seguidas por trabajos multidisciplinarios e instalaciones, muchas veces en colaboración con otros artistas, que buscan ampliar las capacidades perceptivas de espectadores activos, corporalizados y conectados entre sí a través del juego. Sus proyectos combinan instalaciones, performance, música y visuales analógicas con retroproyectores.

Actualmente sus proyectos están vinculados a experiencias de viaje, durante el cual recolecta objetos de la naturaleza. Con esa materialidad organica que descontextualiza, construye espacios habitables, donde los espectadores están invitados a adentrarse.

Exhibió estas series de instalaciones recientemente en espacios de arte en Buenos Aires, Rosario, Tandil y Rio Negro. En 2012 en el Consulado Argentino en Rio de Janeiro y en agosto de 2014 en la galería Suculents Studios en Nueva York (Brooklyn).

Además de su práctica artística coordina Matienschön, el espacio de arte del Club Cultural Matienzo (Buenos Aires) y ha curado varias exposiciones en diferentes espacios de arte en Buenos Aires como Fundación Standard Bank y Centro Cultural Borges, entre otros.

Célula, su ultimo proyecto

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OSMOSIS / Chu Elian Pum Pum


Martes 5 de Mayo en Elsi del Rio arte contemporáneo

Gran Opening. Regresa Bomb.ba!

artistas Chu /Elian /Pum Pum‪ #‎VUELVEBOMBBA‬

Curaduría Mariel Breuer / Victoria Tolomei

+i: https://www.facebook.com/permalink.php?story_fbid=800515753377896&id=130793670350111

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DINAMICA / presenta 头部 (La Cabeza) de Nicolás Romero Escalada (Ever)


Dinámica presenta la muestra 头部 (La Cabeza) del artista Nicolás Romero Escalada (Ever).

Inauguración: Miércoles 6 de mayo de 2015 a las 20hs

En el Laboratorio de Festival: Gorriti 5741, Palermo Hollywood
Cierre: Miércoles 27 de mayo
Horarios: Martes a jueves de 20 a 00hs. Sábados y domingos de 21 a 01hs.
Presenta: CYNAR Argentina
Acompañan: PuroSurubeat
Diseño e imagen // http://r3nder.net/

Sobre la muestra
“头部 (La Cabeza)” es una instalación basada en el análisis de los pósters comunistas chinos. Cuando en los mismos se representa la “idea”, siempre está el pueblo abajo y el retrato de Mao Tse Tung flotando en el cielo protegiendo esa teoría fundada en los inviernos rusos. Cuando se quiere describir la práctica siempre esta Mao cultivando flores, yendo a los colegios, etc.

La idea con “La Cabeza” es razonar porqué la “teoría comunista” falla en su aplicación a la realidad, y esto se debe muchas veces a que la idea es siempre correspondida o llevada a cabo por un cuerpo, un cuerpo que ejerce la idea, que ejerce poder. Por eso, parte de la instalación es invitar a la gente meterse en la cabeza, para tener esa sensación de que no somos leales a la teoría, la idealización es peligrosa, como obsesiva.

Esta instalación es solo un accesorio para lo más importante que es la representación del poder de la teoría, representada en 3 personajes que van a estar alrededor de esta cabeza, sintiendo esa invasión, esa fuerza invisible que invade los cuerpos, una tragicomedia sobre el comunismo. El rito es ese tributo a lo invisible a lo que no vimos ni pudimos sentir pero que esa búsqueda nos hace sentir más vivos, el humano vive de los rituales.

Mao, o mejor dicho China, habla de la contradicción de este sistema. China es un gobierno comunista, pero sus fábricas crean productos capitalistas, la política no existe. Si la idea no esta basada en una ganancia no es redituable. Mao representa ese pasado, esa figura sagrada, es ese cuerpo que en vez de ser un humano es un pedazo de la historia humana.

Escultor: Marcos Berta
Performance: Elsa Sauguet, Sebastian Reinoso Salinas y Ines Maas.

Sobre el artista :
Nicolás Romero Escalada (Ever) empezó su practica artística en las calles de Buenos Aires en los 90, primero con el graffiti de letras y luego pintando murales.

Usando una mezcla de surrealismo, espiritualidad y política, Ever pinta murales que amortiguan la crítica social en una ráfaga de colores brillantes, formas de ensueño y personajes caprichosos. En lugares desconocidos, observa y digiere los fenómenos sociales que le rodean, deseoso de crear nuevos significados.

Ha participado de numerosos festivales y exposiciones en Europa, Estados Unidos, Mexico, Argentina y Australia.

Desde 2014, además de su practica de taller y de muralista, se interesa en el desarrollo de obras tridimensionales e instalaciones.

“Ever” representa la revolución dentro del panorama. Su sentido político a la hora de pintar las calles es casi una prioridad. La posibilidad de comunicar que pintar paredes le provee es algo que utiliza conscientemente. Su obra no es inocente y muro a muro esto se refuerza cada vez más. Ever cuestiona las imposiciones sociales, religiosas y políticas y esto va ligado a su gusto por representar el cuerpo humano que lo intriga y lo fascina. Así se componen sus murales: de mensajes y una composición pictórica que pareciera académica aun cuando no lo es. Caras enormes, ojos negados y una dimensión desconocida de colores, de imaginarios que aparecen en la mente y mirada de cada uno de los protagonistas en sus obras.

Mariel Breuer
http://eversiempre.com

Sobre Dinámica :
Dinámica se dedica a organizar exhibiciones de arte urbano, con la misión de promover, difundir y exponer a dichas expresiones.

Dinámica ha dejado su huella clara en el 2014, realizando 4 muestras a lo largo del año, trazando una línea a través de las diferentes estéticas que circundan el arte callejero, reuniendo a los mejores artistas nacionales, con la participación de algunos internacionales.

Con esa impronta, Dinámica decide expandir sus propias fronteras, realizando 5 muestras en el año 2015, apuntando a un formato instalativo, dominando y explotando el espacio de la sala al máximo. Propone exhibiciones individuales y colectivas con jóvenes artistas provenientes de diferentes circuitos del arte contemporáneo y con artistas urbanos que también han trasvasado el dominio de la pintura para hacerse camino hacia el uso del espacio y el site specific.

Dinámica se presenta como su etimología lo nomina, una serie de muestras con fuerza, potente como una irrupción dentro del circuito del arte, como el arte callejero mismo.

http://cargocollective.com/dinamicagaleria
https://www.facebook.com/dinamicagaleria
http://instagram.com/dinamicagaleria
http://vimeo.com/dinamicagaleria

Sobre el Laboratorio de Festival:
En mayo de 2014 con la inauguración del bar Festival y con la fuerte idea de generar en los visitantes una experiencia que acapare todos los sentidos, se presenta la posibilidad de redoblar la apuesta y sumar a la visita un sector donde reine el placer visual. Es por esto que se decide ceder los casi 100 metros cuadrados del primer piso del galponazo, con impronta industrial, para la creación de Laboratorio. Cuatro paredes en blanco bajo un techo a dos aguas de chapón antiguo y un piso de vidrio en el centro para conectar los diferentes niveles del lugar. Un espacio destinado a acunar artistas para la experimentación y exposición de sus obras.

Si vas a festival no dejes de subir las escaleras para experimentar en el Laboratorio.

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MICHEL BOUVET en Argentina


EXPOSICIÓN I /
MICHEL BOUVET, ARTISTA DEL AFICHE

Una retrospectiva de más de sesenta afiches culturales de gran formato dedicados al teatro, la ópera, la música y los festivales. Cronista de hechos culturales, Michel Bouvet ha recibido encargos de la Opera de Massy, La Pepinière Theâtre, Les Gémeaux y D’Arles Photographie entre muchos otros. A través de su destreza visual, por la cual es admirado en todo el mundo, mixtura técnica de collage, dibujo y tipografía. Procesos, ideas y metáforas propias de un artista del afiche apasionado y sin tiempo.

Inauguración: Sábado 25 de abril
Lugar: Usina del Arte (Agustín Caffarena 1, La Boca)
Horario: 18 hs

La exposición permanecerá abierta hasta el domingo 24 de mayo, de lunes a domingos, de 11 a 17 hs.

Entrada libre y gratuita
+ info: www.usinadelarte.org

EXPOSICIÓN II /
MICHEL BOUVET, TYPOGRAPHIES PARALLÈLES / FOTOGRAFÍAS
Esta exhibición es el resultado de muchos años de fotografiar carteles, pintadas y marquesinas en cada rincón del mundo que visita Michel Bouvet. En absoluta sintonía con su trabajo gráfico, sus fotografías son las de un diseñador que viaja.

Imágenes con el ojo puesto en la fascinación del detalle tipográfico, en la diversidad de estilos y en lo que deja la pintura reseca con el paso del tiempo. En ese tejido universal, la lengua popular se encuentra con el color vívido y las formas impredecibles, que definen partículas de cultura de cada nación, y gestan un idioma propio, paralelo y de gran humanismo.

Inauguración: Lunes 27 de abril
Lugar: Alianza Francesa de Buenos Aires (Av. Córdoba 936, Centro)
Horario: 20.30 hs

La exposición permanecerá abierta hasta el miércoles 27 de mayo, de lunes a viernes, de 9 a 20 hs.

Entrada libre y gratuita
+ info: www.alianzafrancesa.org.ar

Sobre Michel Bouvet:
Michel Bouvet nació en Túnez en 1955. Se graduó en la Escuela Superior de Bellas Artes de Paris en pintura, aunque luego optó por el diseño gráfico. Como diseñador de afiches, trabajó en el campo de la cultura (teatro, ópera, música, danza, museos y festivales) instituciones públicas y colectividad locales. Además, Michel Bouvet diseña y edita libros, y en colaboración con su equipo, produce numerosas identidades visuales para instituciones públicas y sistemas de descripción para museos y exhibiciones temporarias dentro y fuera de Francia.

Organizó exhibiciones individuales de afiches en Francia y en un número de países como Holanda, Alemania, Rumania, Yugoslavia, Polonia, Austria, Portugal, México, Unión Soviética, Uruguay, Chile, Finlandia, India, Filipinas, Perú, Cuba, Sudáfrica, Italia, Checoslovaquia, Argentina, Hungría, Albania, España, Japón, Dinamarca, Turquía, Paraguay, China, Malta, Bolivia, Camboya, Ecuador y Canadá.

Ganó numerosos premios de la gran mayoría de las competiciones internacionales de diseño de afiches (Polonia, Finlandia, Checoslo-vaquia, Estados Unidos, China, Japón, Unión Soviética, Taiwán…) donde además fue invitado como miembro del jurado en varias ocasiones. En Francia fue premiado con el Gran Premio del Afiche Cultural en la Biblioteca Nacional de Francia en 1987 y 1992.

Michel Bouvet también dedica su tiempo a la educación. Es profesor en ESAG/ Penninghen en París. También dicta workshops en Francia, Italia, Suecia, Israel, Canadá, México, Bolivia, Paraguay, Brasil, China, Taiwán y Australia. También es comisionado de las exhibiciones “ Diseñadores Gráficos en el Mundo”, “Costa Este/ Costa Oeste: Diseñadores Gráficos en Estados Unidos”, “Swinging London: Diseño Gráfico y Música Hoy, “Nueve Diseñadoras Gráficas”, “¡Amamos los Libros! Gira Mundial, “El Sueño Americano”, “En Vivo en Tokyo” y “ Destino Rusia”, “Norte Sur: Diseñadores Gráficos en Europa y Latinoamérica” presentado de forma bianual desde 2000 en el Mes del Diseño Gráfico en Echirolles (libros publicados en Textuel Editions), y en “El Libro de Bolsillo cumple cincuenta años” en marzo de 2003 en el Centro Pompidou en París. Fue comisionado general del Festival de Diseño Gráfico de París en 2014.

Desde 1997 Michel Bouvet es miembro de AGI (Alliance Graphique Internationale).

+i: http://www.michelbouvet.com/

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La agitación gráfica de El Fantasma por Lucas López



  • > Bertolt Brecht. En el 100 aniversario de Bertolt Brecht, convocados para un evento por Berliner Ensamble y la Asociación de Diseñadores Gráficos de Alemania. 100 diseñadores / 100 afiches. 1998.

A más de veinte años de su creación en 1992, El Fantasma de Heredia es un estudio de diseño que trabaja desde sus comienzos en el campo social, con proyectos gráficos que van de la música a la ecología, de las radios comunitarias al teatro, de la educación a la salud, de los derechos humanos al arte. Para ellos, la literatura, el cine, la danza, los derechos de la mujer y los chicos, son tópicos de interés central, cuyas certezas se evidencian en piezas insoslayables del diseño argentino como las serigrafías “Eclipse” o “Chernobyl”.

Anabella Salem y Gabriel Mateu se conocieron bajo la égida de la Universidad de Buenos Aires donde enseñan durante más de 15 años y desde allí decidieron armar El Fantasma de Heredia (en aquel entonces un grupo de estudio de doce personas que hoy es un dúo). En esos comienzos, el Fantasma experimentaba sobre los alcances de la comunicación visual, empezaban a trabajar en el campo social e intentaban investigar una nueva forma de diseñar. Según su propia definición, en El Fantasma “dibujan, hacen fotos, escriben, piensan, imprimen, editan, diseñan, con el humor y la seriedad que los grandes maestros nos contagiaron.”

Las evocaciones de Salem y Mateu cobran valor en relación al ámbito educativo del diseño, especialmente en nombres y reivindicaciones.”Alfredo Saavedra fue profesor de ambos, es decir que es EL Profesor de El Fantasma Heredia.” Saavedra les enseñó a mirar el mundo, según remarca Mateu. Sergio Manela y María Ledesma también fueron estímulos esenciales, “María me convocó cuando yo tenía 19 años y fue un empujón al abismo que me trajo hasta acá.”, subraya Salem.

De influencias y métodos
Con influencia de la Escuela Polaca del Afiche (con su unidad y sus diferencias) y sus descendientes franceses, especialmente Grapus (Gérard Paris-Clavel, Pierre Bernard y Alex Jordan), el Fantasma se convirtió en una referencia en el diseño vinculado al campo social. En 2003, revista tipoGráfica titulaba “El rasgo político” una breve reseña que reivindicaba a El Fantasma y su mirada política inherente. Aunque Salem y Mateu también valoran otras influencias, “principalmente escritores, cineastas, músicos… todo el mundo de las artes que hemos absorbido es parte de lo que se pone en juego siempre que diseñamos. Lo que hemos visto, oído y leído es el universo que da lugar a una imagen Fantasma, seamos a veces más o menos conscientes de esto.”

En las piezas gráficas de El Fantasma son comunes los mundos alados, de naturaleza etérea, manchados, desgarrados por el mundo desigual que nos rodea. El Fantasma de Heredia yuxtapone de forma muy hábil y personal retazos de imágenes cuya potencia radica tanto en su crudeza como en su configuración en el plano. El uso del humor, –entre la provocación y la candidez– es esencial en las piezas de El Fantasma. En la aparente estética del desorden, las piezas mantienen una organización cómplice entre el mensaje y los objetos encontrados. Con fragmentos de fotomontaje, tipografía y dibujo ¿cual es el método y las herramientas que utiliza El Fantasma de Heredia para sus afiches? “La verdad, usamos todo lo que tenemos. Toda herramienta útil para resolver lo que queremos decir es válida. De pronto nos acordamos de una foto que sacamos hace mucho, de pronto dibujamos para ver una idea que se escapa. No tenemos método fijo, somos bastante caóticos a la hora de trabajar imágenes, algunas ideas aparecen en cinco minutos y otras nos llevan muchísimo tiempo. A veces trabajamos juntos, a veces uno diseña y el otro opina, a veces charlamos previamente y otras veces no hace falta decir nada. Y como somos dos, cada uno tiene su propia manera individual, es decir que es muy variada la forma de trabajar. Además, pasaron muchos años y fuimos cambiando nosotros, sueltos y juntos.” En la creación colectiva, pese a la urgencia apasionada y la necesidad inclaudicable de expresarse, es muy interesante en el proceso el valor de la reflexión y el silencio, “cuando terminamos de diseñar una pieza, nos quedamos varios días mirándola, chequeando con nosotros mismos… un tiempo silencioso donde cada uno ya está en otra cosa pero esa imagen sigue ahí, la vamos dejando bajar, desaceleramos y la dejamos reposar para ver si resiste.” En cambio, a diferencia del proceso de elaboración de un afiche, cuando trabajan en diseño editorial (un libro, un diario o un catálogo) se definen como extremadamente estrictos, metódicos y ordenados.

Los pasos actuales
La conexión internacional de El Fantasma de Heredia no solo se legitima a través de amistades célebres, –cuyos lazos se consolidan con el paso del tiempo, conformando sociedades invisibles–, sino a través de un alto concepto en festivales internacionales de prestigio, en donde participan desde sus inicios. El 29 de enero de 2014 se inauguró en París, Francia, la primera edición de la Fête du Graphisme, bajo el sostén principal del Ministerio de Cultura y Comunicación de Francia y otras instituciones como el diario Liberation y la Biblioteca Nacional. Doscientos diseñadores de 45 países expusieron 500 afiches (tres cada uno) en “Paris invite le monde”, la muestra internacional de la Fête.

Luego hubo una muestra de gráfica de la nueva generación francesa, y un apartado pequeño que se llamó “Célébrer Paris”. La muestra incluyó diseñadores de la talla de Luba Lukova, Milton Glaser, Lech Majewski, Seymour Chwast, David Tartakover, Uwe Loesch, Isidro Ferrer, Itzvan Orosz, Alejandro Magallanes, Tomi Ungerer, Art Chantry, Alain Le Quernec, Shin Matsunaga y Paula Scher, entre otros.

Siempre inquietos, a fines de 2013 incursionaron en la escultura. Fueron invitados a la muestra colectiva “Territorios de la precariedad” en el Centro Cultural Recoleta, donde en lugar de llegar con una pieza gráfica, el día del montaje el Fantasma de Heredia se presentó con una obra hecha en vidrio, cuyas puntas filosas salían de la pared. Un factor que posiblemente define un concepto de unidad como experiencia de estudio.


  • > Eclipse. Afiche 1/0serigrafía. Formato 130x90cm.2001. Afiche para las actividades del grupo internacional Collective Distribution. Medalla de Oro, 7ma Trienal Internacional del Afiche, Toyama, Japón 2003.Premio Especial del Jurado, Festival Internacional de Afiches de Chaumont, Francia 2003.


  • > 1er Festival Gratuito de Danza Contemporánea de la Ciudad de Buenos Aires. Afiche y catálogo. Año 2000.


  • > De cerca nadie es normal. Títulos para película de Nómade Films Producciones.


  • > Rene Wanner. Tributo a Rene Wanner a pedido de la Bienal de Bolivia. 2013.


  • > De cerca nadie es normal. Títulos para película de Nómade Films Producciones.

Entre muchos reconocimientos los integrantes de El Fantasma de Heredia destacan el Primer Premio Nacional por la Identidad para la Fundación Memoria del Holocausto, el Icograda Excellence Award en el Festival Internacional de Afiches de Chaumont (Francia), una Medalla de Oro en la Trienal Internacional de Afiches de Toyama (Japón), y la Presidencia del Jurado Internacional de la Bienal de Afiches de Varsovia (Polonia).

Además de los país citados, los trabajos de El Fantasma han sido exhibidos y publicados en Argentina, China, Finlandia, Rusia, Alemania, República Checa, México, EEUU, Bolivia, Bélgica e Israel.


Para más información:

http://www.flickr.com/photos/elfantasmadeheredia

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LETRAS VIVAS / Viernes 10 de abril


El viernes 10 de abril a las 19hs inaugura la exhibición “Letras vivas” en la Fundación ICBC – Ríobamba 1276- de los artistas Panco Sassano Elliot TúpacYani ArabenaGuille Vizzari y con la participación de Mati Schmidt a cargo de la impresión de las obras, y curada por Victoria Tolomei.

“En todas sus formas, el “lettering” es un acto de diseño que oscila entre la caligrafía y la tipografía, alcanzando su sello distintivo a través del dibujo manual o digital”, explica Silvia Cordero Vega (LETRERIAS), referente absoluta en el mundo de la caligrafía.

“Aquellas personas que disfrutamos al dibujar letras, entendiéndolas en cada curva y reconociéndolas en sus detalles, encontramos placer justamente en ese transcurrir del dibujo”, cuenta Laura Varsky pensando en “Letras vivas”

+i:  https://www.facebook.com/events/599820503488142/

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LET IT VJ #12 / Sábado 11 de abril


LET IT VJ #12 FESTIVAL DE NUEVOS MEDIOS, MÚSICA Y ARTE EN TIEMPO REAL

Sábado 11 de abril desde las 20 hs en el Club Cultural Matienzo.
Pringles 1249 y Av. Córdoba, Buenos Aires.
Entrada $70 ($50 hasta las 22 hs).
Más info: www.facebook.com/letitvj

Let it VJ #12: Lo nuevo se ve y se baila / 7 salas, 9 horas, 30 artistas

Vuelve el festival que transforma cada rincón del Club Cultural Matienzo con una puesta visual y técnica deslumbrante.

Más de 30 músicos y artistas de vanguardia en siete salas: bandas en vivo y DJs, VJs en pantallas gigantes, instalaciones audiovisuales, mappings, videojuegos experimentales, performances y más, a cargo de artistas de trayectoria junto a jóvenes creadores.

Desde 2012, LET IT VJ es un espacio de exhibición, experimentación y diálogo para artistas de los nuevos medios.

Producido por Matienschön (equipo de arte contemporáneo del Club Cultural Matienzo), LET IT VJ es además motor y sostén del programa anual del exposiciones, generando recursos para la producción de obras site-specific comisionadas por Matienschön.

Para más información: https://www.facebook.com/events/1404111563238843/

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4 POINTZ / Street Artists Exhibition


Viernes 13 de marzo

+ Galería: 4 POINTZ – Street Artists Exhibition Andres Agosin aka Monk / Borneo Modofoker / Lucas Parbo / NicolasRojasLeon

+ Jardín: DJ SET// Carlos Alfonsin VJ SET // Rox Vazquez

TODOS LOS VIERNES DEL AÑO DE 20 A 2HS. ingreso libre

+i: https://www.facebook.com/enCasaA

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