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TRImarchi15 / La niña bonita del diseño.


TRImarchi15, La niña bonita del diseño.
La niña bonita nos pidió que este año, TRImarchi DG sea en Primavera, por lo cual le dimos el gusto y celebraremos la décimo quinta edición del evento el viernes 25, sábado 26 y domingo 27 de septiembre de 2015, en el Polideportivo de Mar del 15 ediciones reuniendo a la comunidad de inquietos más grande de Latinoamérica en un estadio. Miles de diseñadores, fotógrafos, publicistas, arquitectos, antropólogos,  curiosos, ilustradores, músicos, nos juntamos a pensar, dialogar y festejar.

Este ritual ya es una manera de accionar, un acto reflexivo, una alegría. La conexión con la niña bonita es inevitable. ¿Pero cuál es la niña bonita del diseño? ¿La inspiración? ¿La línea sobre el papel vacío? ¿Alguna forma geométrica? ¿La retícula? ¿La composición? Estamos rodeados de niñas bonitas, que nos ayudan a creer en lo que hacemos, la confianza, a dimensionar nuestros planes, la proyección. Pequeñas musas que constantemente nos dictan al oído pasos a seguir, esos momentos, la idea, la luz, la lamparita. La clásica encrucijada del diseño, cuando llega nuestro punto de partida, el Problema, y arriba ella, con sus pasos suspendidos sobre nuestras neuronas, la Solución, vestida de grafito, nodos, o tinta esparcida en un libro de bocetos. ¡Y este año vamos a festejarle sus 15!

¿Qué es el TRImarchi DG?
Desde hace 15 años, TRImarchiDG (TMDG) es la convención de diseño más grande del mundo y el evento con mayor reconocimiento en Latinoamérica, en su sede original, la de Mar del Plata, luego de ramificarse a varias ciudades latinas, en su versión itinerante PRE TMDG, la gran celebración anual. TMDG Convoca a más 6.000 diseñadores de todas partes del mundo para vivir tres días de conferencias, talleres, exhibiciones, fiestas e intercambio creativo con los más grandes artistas y creadores de la actualidad. TMDG es una celebración en donde el diseño, la música y la cultura de vanguardia se fusionan para afectar (siempre positivamente) a cada una de las almas que tienen la suerte de cruzar por sus puertas cada año.

En este 2015, volvemos a abrir el espacio TRImarchi con el apoyo de San Cristóbal seguros, que nos suma a su red de centros culturales Espacio 75. Apadrinado por Daniel Melero, donde funcionará un espacio para shows y conferencias, galería, tienda de diseño, restaurant y estudio de grabación. ¡Un sueño que revive!


NOVEDADES
Espacio TRImarchiEn este 2015, volvemos a abrir el espacio TRImarchi con el apoyo de San Cristóbal seguros, que nos suma a su red de centros culturales Espacio 75. Apadrinado por Daniel Melero, donde funcionará un espacio para shows y conferencias, galería, tienda de diseño, restaurant y estudio de grabación. ¡Un sueño que revive!

Concurso TRImarchi Ediciones & Cynar
Ahora les presentamos el Concurso Colisiones Artísticas que TRImarchi ediciones & Cynar lanzan para este 2015.
Vamos cruzando el cosmos a toda velocidad, montados en una esfera. Nuestros cuerpos son asteroides colisionando y nutriéndose en cada choque.
Artichoke (en inglés: alcachofa), Colisiones artísticas. Un nuevo libro de TRImarchi ediciones y Cynar, para fomentar el trabajo en equipos. Dos personas unidas para hacer una obra juntos. Envíen un ejemplo del trabajo de cada uno para participar. Los elegidos recibirán un premio de $10.000AR y se les solicitará un diseño hecho en conjunto! 10 colisiones y la obra de 20 artistas/diseñadores conviviendo en la publicación número 011 de TRImarchi Ediciones!
La piezas deben ser subidas a la Fan Page de Cynar en Facebook.
Aquí el link directo a la página: http://bit.ly/ArtichokeCynarTMDG


CONFERENCISTAS CONFIRMADOS
Kate Stone (Novalia)Lleva los impresos a la era digital. Print interactivo, Posters digitales de papel. El futuro volvió. Novalia es una galardonada empresa de tecnología con sede en Cambridge, Reino Unido. Ellos, combinan la impresión conductora y táctil capacitiva para crear superficies inteligentes que actúan como sensores y altavoces.
http://www.novalia.co.uk

Carl Sprague
Director de arte predilecto de Wes Anderson. Todos quedamos encantados cuando vimos The Royal Tenenbaums en el 2001, deteniéndonos en cada fotograma para digerir tanta belleza. El hombre detrás, Carl Sprague. Qué reincidió en Moonrise Kingdom, Grand Budapest Hotel y demás gemas.
http://carlsprague.com

Lumbre
De los más delirantes estudios del nuevo Motion Graphics Sudamericano. Los Lumbre y sus identidades para canales, programas de televisión, y magias en movimiento.
http://www.lumbre.tv

Lance Wyman
Quizás la mayor visita de esta edición, un personaje histórico, responsable de las señalizaciones e identidades gráficas más representativas desde la década del 60.

Las olimpiadas de México 68 fueron quizás su puntapié más icónico, que nos abrió camino en su universo infinito.
http://www.lancewyman.com

Liniers
El historietista más renombrado de la actualidad latinoamericana, su sensibilidad y trazos pasteles, amenizan la entrada a un imaginario que identifico a una generación y continúa creciendo. Liniers es el segundo nombre de Ricardo Siri (nacido en Buenos Aires el 15 de noviembre de 1973). Empezó haciendo fanzines y desde el 2001 publica su tira Macanudo en el diario La Nación. Tiene publicados más de 20 libros donde se recopilaron sus más de 3600 historietas (Macanudo 1 al 10), además de 2 libros para chicos (Lo que hay antes que haya algo y Mamarracho) y uno sobre sus cuadernos de bocetos (Cuadernos). Muchos de estos libros están publicados en España, Estados Unidos, Brasil, Perú, Canadá, Italia, Francia, Republica Checa, entre otros.
http://www.porliniers.com

Gustavo Sala
Responsable de la imagen de TRImarchi 15, y de las más polémicas tiras cómicas del país. Marplatense y ácido, nos presentará sus entrañas en pantalla gigante. Entre sus trabajos más notables, se destacan: Bife Angosto (que se publica en el suplemento No del diario Página 12), Hijitos de Puta (publicado en la revista Barcelona) y Lo que no importa esta acá (publicado en la edición argentina de la revista Rolling Stone).

Hernán Ordóñez
Desde el país Vasco, este icono de la enseñanza del diseño gráfico, nos viene a contar su visión del nuevo modelo de diseñador gráfico y como desarrollo el nuevo Master en Diseño para el Instituto Europeo del diseño.
http://www.hernan.tv

Rocambole
El mítico diseñador de Los Redondos de Ricota, la banda de culto multitudinaria de Argentina. Revela la producción de tapas históricas y Posters artesanales de época.
http://www.untalrocambole.com.ar

— (Pronto más conferencistas confirmados) —


CONVOCATORIAS
Luego de la tremenda data que nos llegó el año pasado con las convocatorias 2014 y la gente copada que conocimos, sería una picardía no abrir las convocatorias 2015, y para seguir festejando ¡sumamos dos categorías! Bandas, para que puedas tocar afuera en el pastito y Workshops, para que dictes tu workshop en TRImarchi.

Categorías #TMDG15BNT (audiovisual) ANILLO (exposición) PROYECTO SELECCIONADO (Conferencia) AFUERA (Bandas) WORKSHOP (taller)

— (Pronto los seleccionados de este 2015) —

¿QUÉ ES EL BNT?
Buenas Noches TRImarchi (BNT) es un festival audiovisual que venimos haciendo desde el 2003, inaugurado con Gustavo Lamas, Dj Kain, DOMA y Fase Miusic Sender en una mítica edición. Hoy, más de 10 años después, BNT núclea a lo más intenso de la escena latinoamericana, en diferentes pistas puestas en manos de las fiestas más prendidas, escenarios curados por TRImarchi con las novedades audiovisuales en vivo, las búsquedas más osadas. Gangpol and Mit (FR), Colectivo Auxiliar (PE), Motomichi Nakamura (JP), I2OFF+R3nder+Rolex (AR), Sonido Gallo Negro (MX), Büro Destrukt (CH), entre otros, son los audiovisuales que nos han visitado desde nuestros comienzos.

— (Pronto los artistas seleccionados para este BNT 2015) —


ENTRADAS
Para adquirir tu entrada con un notable descuento podés ingresar a
https://www.tuentrada.com/trimarchi/Online/

Para más información:
http://www.trimarchidg.net

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VASCOLO / Vivid Live en la Opera de Sydney


Váscolo, estudio de diseño gráfico y animación, fue elegido para formar parte del espectáculo Vivid Live en la Ópera de Sydney. El show Vivid 2015: Lighting The Sails se proyectará durante dos semanas, del 22 de mayo al 8 de junio, desde las 18 hasta la medianoche (hora de Australia).

Váscolo es uno de los 15 estudios convocados para participar con animaciones cortas que se proyectarán sobre la fachada del edificio. Este año, los responsables de crear la proyección que iluminará las velas de la Ópera, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, es Universal Everything, un estudio multidisciplinario con base en Londres.


Las animaciones de Váscolo son:
Animation, Sequence 9: WIND https://vimeo.com/129118037
Animation, Sequence 16: WAVE https://vimeo.com/129115005

Las animaciones de todos los estudios debían ser realizadas de forma tradicional (cel animation), tener una  duración de 30 segundos y respetar una paleta cromática específica.

Vivid Live forma parte de Vivid Sydney, el evento más importante de Australia en invierno, reconocido como el mayor evento de su tipo en el mundo que combina  música, luces e ideas.

El programa cuenta con instalaciones de luz y proyecciones a gran escala (Vivid Light); actuaciones y colaboraciones musicales (Vivid Music incluyendo Vivid Live en la Ópera); e ideas, discusiones y debates creativos (Vivid Ideas).


Créditos:

Director Creative: Universal Everything - universaleverything.com
Música: Simon Pyke / Freefarm - freefarm.co.uk
Efectos especiales de sonido: Rayuela Sonido - rayuelasonido.com.ar

En Váscolo:

Director Ejecutivo Creativo: Martin Schurmann
Director de Animación: Ernesto Reyna
Director de Arte: Florencia Tasso, Andrés Molteno
Diseño: Micaela Podrzaj
Animación 3D: Ernesto Reyna, Vicente Ziegler, Lionel Wainsztok
Cel Animation: Andrés Molteno, Vicente Ziegler, Micaela Podrzaj, Lionel Wainsztok
Productora: Natalia Giuliano


Acerca de Váscolo

Váscolo es un estudio de diseño gráfico y animado, integrado por un staff de diseñadores, animadores, ilustradores y un equipo de colaboradores que participan en función de la complejidad de cada proyecto.  Con base en Buenos Aires, desarrolla proyectos para Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia.

El estudio realiza la dirección creativa y la producción para sistemas de identidad, paquetes para segmentos de canales y programas, promo toolkits, animaciones de marca, spots comerciales y publicitarios, video clips, videos institucionales, educativos o explicativos y visuales para eventos, entre otros.

Para más información: www.vascolo.com.ar

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CONVOCATORIA / Artes Visuales Ciudad Cultural Konex 2015




*Imagen: croquis original del patio de Ciudad Cultural Konex realizado por Clorindo Testa.

Ciudad Cultural Konex presenta la primera edición de su Convocatoria de Artes Visuales destinada a proyectos de carácter de sitio específico: concebidos especialmente para el espacio físico y simbólico del patio de Ciudad Cultural Konex, donde la obra ganadora será instalada y expuesta por el lapso aproximado de cinco meses.

Dirigido a: artistas visuales, arquitectos, escenógrafos, iluminadores, diseñadores, y disciplinas derivadas.

Incentivo
La convocatoria cuenta con un incentivo de $60.000 a otorgar al ganador por todo concepto (honorarios para el/los artista/s y fondos para la producción, montaje y mantenimiento de la obra).

Vigencia de convocatoria
La convocatoria estará abierta a partir del miércoles 26 de mayo hasta el viernes 20 de julio inclusive.

+i: http://ciudadculturalkonex.org/?page=convocatoria&subpage=convocatoria-artes

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CÉLULA / Luz Peuscovich


CÉLULA
Las dimensiones cuerpo y territorio están en juego en este rito.

El espacio construido es un objeto-contexto que, como una antena, ecualiza frecuencias. Es una constelación de vínculos, un sistema de circulación abierta donde lo que importa no es solo el centro sino el conjunto y las diferencias que conviven.

En su interior lo vivo y lo muerto se nutren entre sí a diferentes niveles. Esa cualidad de lo orgánico es una paradoja en la que estamos metidos, la regeneración de la naturaleza implica ese doble vínculo.

La vida de una célula es un complejo sistema que constituye la unidad básica y funcional de todo ser vivo. Desconocemos el alcance de su resonancia, y no sabemos por qué existe.

Un conjunto de células, al formar un tejido, deviene en otra forma de vida más amplia. Es así que lo que importa no es la unidad, el centro, sino la inter-conexión.

Sentir el tejido está en juego en el reencuentro con la naturaleza y sus posibles manifestaciones.

Todo contexto depende de quien lo perciba y en la experiencia del recorrido se abre la información pertinente para cada cuerpo.

Luz Peuscovich nació en 1984 en Tandil (Argentina).

Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Plata, Curaduría y Gestión de Arte en la Universidad ESEADE (Buenos Aires) y asistió a los talleres de escenografía en el Teatro Colón (Buenos Aires) y seminarios de analisis de obra con Luis Felipe Noé.

Exhibió sus pinturas en exposiciones individuales y colectivas en varios espacios de arte en Buenos Aires.

A partir de 2009, sus investigaciones en pintura han sido seguidas por trabajos multidisciplinarios e instalaciones, muchas veces en colaboración con otros artistas, que buscan ampliar las capacidades perceptivas de espectadores activos, corporalizados y conectados entre sí a través del juego. Sus proyectos combinan instalaciones, performance, música y visuales analógicas con retroproyectores.

Actualmente sus proyectos están vinculados a experiencias de viaje, durante el cual recolecta objetos de la naturaleza. Con esa materialidad organica que descontextualiza, construye espacios habitables, donde los espectadores están invitados a adentrarse.

Exhibió estas series de instalaciones recientemente en espacios de arte en Buenos Aires, Rosario, Tandil y Rio Negro. En 2012 en el Consulado Argentino en Rio de Janeiro y en agosto de 2014 en la galería Suculents Studios en Nueva York (Brooklyn).

Además de su práctica artística coordina Matienschön, el espacio de arte del Club Cultural Matienzo (Buenos Aires) y ha curado varias exposiciones en diferentes espacios de arte en Buenos Aires como Fundación Standard Bank y Centro Cultural Borges, entre otros.

Célula, su ultimo proyecto

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OSMOSIS / Chu Elian Pum Pum


Martes 5 de Mayo en Elsi del Rio arte contemporáneo

Gran Opening. Regresa Bomb.ba!

artistas Chu /Elian /Pum Pum‪ #‎VUELVEBOMBBA‬

Curaduría Mariel Breuer / Victoria Tolomei

+i: https://www.facebook.com/permalink.php?story_fbid=800515753377896&id=130793670350111

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DINAMICA / presenta 头部 (La Cabeza) de Nicolás Romero Escalada (Ever)


Dinámica presenta la muestra 头部 (La Cabeza) del artista Nicolás Romero Escalada (Ever).

Inauguración: Miércoles 6 de mayo de 2015 a las 20hs

En el Laboratorio de Festival: Gorriti 5741, Palermo Hollywood
Cierre: Miércoles 27 de mayo
Horarios: Martes a jueves de 20 a 00hs. Sábados y domingos de 21 a 01hs.
Presenta: CYNAR Argentina
Acompañan: PuroSurubeat
Diseño e imagen // http://r3nder.net/

Sobre la muestra
“头部 (La Cabeza)” es una instalación basada en el análisis de los pósters comunistas chinos. Cuando en los mismos se representa la “idea”, siempre está el pueblo abajo y el retrato de Mao Tse Tung flotando en el cielo protegiendo esa teoría fundada en los inviernos rusos. Cuando se quiere describir la práctica siempre esta Mao cultivando flores, yendo a los colegios, etc.

La idea con “La Cabeza” es razonar porqué la “teoría comunista” falla en su aplicación a la realidad, y esto se debe muchas veces a que la idea es siempre correspondida o llevada a cabo por un cuerpo, un cuerpo que ejerce la idea, que ejerce poder. Por eso, parte de la instalación es invitar a la gente meterse en la cabeza, para tener esa sensación de que no somos leales a la teoría, la idealización es peligrosa, como obsesiva.

Esta instalación es solo un accesorio para lo más importante que es la representación del poder de la teoría, representada en 3 personajes que van a estar alrededor de esta cabeza, sintiendo esa invasión, esa fuerza invisible que invade los cuerpos, una tragicomedia sobre el comunismo. El rito es ese tributo a lo invisible a lo que no vimos ni pudimos sentir pero que esa búsqueda nos hace sentir más vivos, el humano vive de los rituales.

Mao, o mejor dicho China, habla de la contradicción de este sistema. China es un gobierno comunista, pero sus fábricas crean productos capitalistas, la política no existe. Si la idea no esta basada en una ganancia no es redituable. Mao representa ese pasado, esa figura sagrada, es ese cuerpo que en vez de ser un humano es un pedazo de la historia humana.

Escultor: Marcos Berta
Performance: Elsa Sauguet, Sebastian Reinoso Salinas y Ines Maas.

Sobre el artista :
Nicolás Romero Escalada (Ever) empezó su practica artística en las calles de Buenos Aires en los 90, primero con el graffiti de letras y luego pintando murales.

Usando una mezcla de surrealismo, espiritualidad y política, Ever pinta murales que amortiguan la crítica social en una ráfaga de colores brillantes, formas de ensueño y personajes caprichosos. En lugares desconocidos, observa y digiere los fenómenos sociales que le rodean, deseoso de crear nuevos significados.

Ha participado de numerosos festivales y exposiciones en Europa, Estados Unidos, Mexico, Argentina y Australia.

Desde 2014, además de su practica de taller y de muralista, se interesa en el desarrollo de obras tridimensionales e instalaciones.

“Ever” representa la revolución dentro del panorama. Su sentido político a la hora de pintar las calles es casi una prioridad. La posibilidad de comunicar que pintar paredes le provee es algo que utiliza conscientemente. Su obra no es inocente y muro a muro esto se refuerza cada vez más. Ever cuestiona las imposiciones sociales, religiosas y políticas y esto va ligado a su gusto por representar el cuerpo humano que lo intriga y lo fascina. Así se componen sus murales: de mensajes y una composición pictórica que pareciera académica aun cuando no lo es. Caras enormes, ojos negados y una dimensión desconocida de colores, de imaginarios que aparecen en la mente y mirada de cada uno de los protagonistas en sus obras.

Mariel Breuer
http://eversiempre.com

Sobre Dinámica :
Dinámica se dedica a organizar exhibiciones de arte urbano, con la misión de promover, difundir y exponer a dichas expresiones.

Dinámica ha dejado su huella clara en el 2014, realizando 4 muestras a lo largo del año, trazando una línea a través de las diferentes estéticas que circundan el arte callejero, reuniendo a los mejores artistas nacionales, con la participación de algunos internacionales.

Con esa impronta, Dinámica decide expandir sus propias fronteras, realizando 5 muestras en el año 2015, apuntando a un formato instalativo, dominando y explotando el espacio de la sala al máximo. Propone exhibiciones individuales y colectivas con jóvenes artistas provenientes de diferentes circuitos del arte contemporáneo y con artistas urbanos que también han trasvasado el dominio de la pintura para hacerse camino hacia el uso del espacio y el site specific.

Dinámica se presenta como su etimología lo nomina, una serie de muestras con fuerza, potente como una irrupción dentro del circuito del arte, como el arte callejero mismo.

http://cargocollective.com/dinamicagaleria
https://www.facebook.com/dinamicagaleria
http://instagram.com/dinamicagaleria
http://vimeo.com/dinamicagaleria

Sobre el Laboratorio de Festival:
En mayo de 2014 con la inauguración del bar Festival y con la fuerte idea de generar en los visitantes una experiencia que acapare todos los sentidos, se presenta la posibilidad de redoblar la apuesta y sumar a la visita un sector donde reine el placer visual. Es por esto que se decide ceder los casi 100 metros cuadrados del primer piso del galponazo, con impronta industrial, para la creación de Laboratorio. Cuatro paredes en blanco bajo un techo a dos aguas de chapón antiguo y un piso de vidrio en el centro para conectar los diferentes niveles del lugar. Un espacio destinado a acunar artistas para la experimentación y exposición de sus obras.

Si vas a festival no dejes de subir las escaleras para experimentar en el Laboratorio.

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MICHEL BOUVET en Argentina


EXPOSICIÓN I /
MICHEL BOUVET, ARTISTA DEL AFICHE

Una retrospectiva de más de sesenta afiches culturales de gran formato dedicados al teatro, la ópera, la música y los festivales. Cronista de hechos culturales, Michel Bouvet ha recibido encargos de la Opera de Massy, La Pepinière Theâtre, Les Gémeaux y D’Arles Photographie entre muchos otros. A través de su destreza visual, por la cual es admirado en todo el mundo, mixtura técnica de collage, dibujo y tipografía. Procesos, ideas y metáforas propias de un artista del afiche apasionado y sin tiempo.

Inauguración: Sábado 25 de abril
Lugar: Usina del Arte (Agustín Caffarena 1, La Boca)
Horario: 18 hs

La exposición permanecerá abierta hasta el domingo 24 de mayo, de lunes a domingos, de 11 a 17 hs.

Entrada libre y gratuita
+ info: www.usinadelarte.org

EXPOSICIÓN II /
MICHEL BOUVET, TYPOGRAPHIES PARALLÈLES / FOTOGRAFÍAS
Esta exhibición es el resultado de muchos años de fotografiar carteles, pintadas y marquesinas en cada rincón del mundo que visita Michel Bouvet. En absoluta sintonía con su trabajo gráfico, sus fotografías son las de un diseñador que viaja.

Imágenes con el ojo puesto en la fascinación del detalle tipográfico, en la diversidad de estilos y en lo que deja la pintura reseca con el paso del tiempo. En ese tejido universal, la lengua popular se encuentra con el color vívido y las formas impredecibles, que definen partículas de cultura de cada nación, y gestan un idioma propio, paralelo y de gran humanismo.

Inauguración: Lunes 27 de abril
Lugar: Alianza Francesa de Buenos Aires (Av. Córdoba 936, Centro)
Horario: 20.30 hs

La exposición permanecerá abierta hasta el miércoles 27 de mayo, de lunes a viernes, de 9 a 20 hs.

Entrada libre y gratuita
+ info: www.alianzafrancesa.org.ar

Sobre Michel Bouvet:
Michel Bouvet nació en Túnez en 1955. Se graduó en la Escuela Superior de Bellas Artes de Paris en pintura, aunque luego optó por el diseño gráfico. Como diseñador de afiches, trabajó en el campo de la cultura (teatro, ópera, música, danza, museos y festivales) instituciones públicas y colectividad locales. Además, Michel Bouvet diseña y edita libros, y en colaboración con su equipo, produce numerosas identidades visuales para instituciones públicas y sistemas de descripción para museos y exhibiciones temporarias dentro y fuera de Francia.

Organizó exhibiciones individuales de afiches en Francia y en un número de países como Holanda, Alemania, Rumania, Yugoslavia, Polonia, Austria, Portugal, México, Unión Soviética, Uruguay, Chile, Finlandia, India, Filipinas, Perú, Cuba, Sudáfrica, Italia, Checoslovaquia, Argentina, Hungría, Albania, España, Japón, Dinamarca, Turquía, Paraguay, China, Malta, Bolivia, Camboya, Ecuador y Canadá.

Ganó numerosos premios de la gran mayoría de las competiciones internacionales de diseño de afiches (Polonia, Finlandia, Checoslo-vaquia, Estados Unidos, China, Japón, Unión Soviética, Taiwán…) donde además fue invitado como miembro del jurado en varias ocasiones. En Francia fue premiado con el Gran Premio del Afiche Cultural en la Biblioteca Nacional de Francia en 1987 y 1992.

Michel Bouvet también dedica su tiempo a la educación. Es profesor en ESAG/ Penninghen en París. También dicta workshops en Francia, Italia, Suecia, Israel, Canadá, México, Bolivia, Paraguay, Brasil, China, Taiwán y Australia. También es comisionado de las exhibiciones “ Diseñadores Gráficos en el Mundo”, “Costa Este/ Costa Oeste: Diseñadores Gráficos en Estados Unidos”, “Swinging London: Diseño Gráfico y Música Hoy, “Nueve Diseñadoras Gráficas”, “¡Amamos los Libros! Gira Mundial, “El Sueño Americano”, “En Vivo en Tokyo” y “ Destino Rusia”, “Norte Sur: Diseñadores Gráficos en Europa y Latinoamérica” presentado de forma bianual desde 2000 en el Mes del Diseño Gráfico en Echirolles (libros publicados en Textuel Editions), y en “El Libro de Bolsillo cumple cincuenta años” en marzo de 2003 en el Centro Pompidou en París. Fue comisionado general del Festival de Diseño Gráfico de París en 2014.

Desde 1997 Michel Bouvet es miembro de AGI (Alliance Graphique Internationale).

+i: http://www.michelbouvet.com/

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La agitación gráfica de El Fantasma por Lucas López



  • > Bertolt Brecht. En el 100 aniversario de Bertolt Brecht, convocados para un evento por Berliner Ensamble y la Asociación de Diseñadores Gráficos de Alemania. 100 diseñadores / 100 afiches. 1998.

A más de veinte años de su creación en 1992, El Fantasma de Heredia es un estudio de diseño que trabaja desde sus comienzos en el campo social, con proyectos gráficos que van de la música a la ecología, de las radios comunitarias al teatro, de la educación a la salud, de los derechos humanos al arte. Para ellos, la literatura, el cine, la danza, los derechos de la mujer y los chicos, son tópicos de interés central, cuyas certezas se evidencian en piezas insoslayables del diseño argentino como las serigrafías “Eclipse” o “Chernobyl”.

Anabella Salem y Gabriel Mateu se conocieron bajo la égida de la Universidad de Buenos Aires donde enseñan durante más de 15 años y desde allí decidieron armar El Fantasma de Heredia (en aquel entonces un grupo de estudio de doce personas que hoy es un dúo). En esos comienzos, el Fantasma experimentaba sobre los alcances de la comunicación visual, empezaban a trabajar en el campo social e intentaban investigar una nueva forma de diseñar. Según su propia definición, en El Fantasma “dibujan, hacen fotos, escriben, piensan, imprimen, editan, diseñan, con el humor y la seriedad que los grandes maestros nos contagiaron.”

Las evocaciones de Salem y Mateu cobran valor en relación al ámbito educativo del diseño, especialmente en nombres y reivindicaciones.”Alfredo Saavedra fue profesor de ambos, es decir que es EL Profesor de El Fantasma Heredia.” Saavedra les enseñó a mirar el mundo, según remarca Mateu. Sergio Manela y María Ledesma también fueron estímulos esenciales, “María me convocó cuando yo tenía 19 años y fue un empujón al abismo que me trajo hasta acá.”, subraya Salem.

De influencias y métodos
Con influencia de la Escuela Polaca del Afiche (con su unidad y sus diferencias) y sus descendientes franceses, especialmente Grapus (Gérard Paris-Clavel, Pierre Bernard y Alex Jordan), el Fantasma se convirtió en una referencia en el diseño vinculado al campo social. En 2003, revista tipoGráfica titulaba “El rasgo político” una breve reseña que reivindicaba a El Fantasma y su mirada política inherente. Aunque Salem y Mateu también valoran otras influencias, “principalmente escritores, cineastas, músicos… todo el mundo de las artes que hemos absorbido es parte de lo que se pone en juego siempre que diseñamos. Lo que hemos visto, oído y leído es el universo que da lugar a una imagen Fantasma, seamos a veces más o menos conscientes de esto.”

En las piezas gráficas de El Fantasma son comunes los mundos alados, de naturaleza etérea, manchados, desgarrados por el mundo desigual que nos rodea. El Fantasma de Heredia yuxtapone de forma muy hábil y personal retazos de imágenes cuya potencia radica tanto en su crudeza como en su configuración en el plano. El uso del humor, –entre la provocación y la candidez– es esencial en las piezas de El Fantasma. En la aparente estética del desorden, las piezas mantienen una organización cómplice entre el mensaje y los objetos encontrados. Con fragmentos de fotomontaje, tipografía y dibujo ¿cual es el método y las herramientas que utiliza El Fantasma de Heredia para sus afiches? “La verdad, usamos todo lo que tenemos. Toda herramienta útil para resolver lo que queremos decir es válida. De pronto nos acordamos de una foto que sacamos hace mucho, de pronto dibujamos para ver una idea que se escapa. No tenemos método fijo, somos bastante caóticos a la hora de trabajar imágenes, algunas ideas aparecen en cinco minutos y otras nos llevan muchísimo tiempo. A veces trabajamos juntos, a veces uno diseña y el otro opina, a veces charlamos previamente y otras veces no hace falta decir nada. Y como somos dos, cada uno tiene su propia manera individual, es decir que es muy variada la forma de trabajar. Además, pasaron muchos años y fuimos cambiando nosotros, sueltos y juntos.” En la creación colectiva, pese a la urgencia apasionada y la necesidad inclaudicable de expresarse, es muy interesante en el proceso el valor de la reflexión y el silencio, “cuando terminamos de diseñar una pieza, nos quedamos varios días mirándola, chequeando con nosotros mismos… un tiempo silencioso donde cada uno ya está en otra cosa pero esa imagen sigue ahí, la vamos dejando bajar, desaceleramos y la dejamos reposar para ver si resiste.” En cambio, a diferencia del proceso de elaboración de un afiche, cuando trabajan en diseño editorial (un libro, un diario o un catálogo) se definen como extremadamente estrictos, metódicos y ordenados.

Los pasos actuales
La conexión internacional de El Fantasma de Heredia no solo se legitima a través de amistades célebres, –cuyos lazos se consolidan con el paso del tiempo, conformando sociedades invisibles–, sino a través de un alto concepto en festivales internacionales de prestigio, en donde participan desde sus inicios. El 29 de enero de 2014 se inauguró en París, Francia, la primera edición de la Fête du Graphisme, bajo el sostén principal del Ministerio de Cultura y Comunicación de Francia y otras instituciones como el diario Liberation y la Biblioteca Nacional. Doscientos diseñadores de 45 países expusieron 500 afiches (tres cada uno) en “Paris invite le monde”, la muestra internacional de la Fête.

Luego hubo una muestra de gráfica de la nueva generación francesa, y un apartado pequeño que se llamó “Célébrer Paris”. La muestra incluyó diseñadores de la talla de Luba Lukova, Milton Glaser, Lech Majewski, Seymour Chwast, David Tartakover, Uwe Loesch, Isidro Ferrer, Itzvan Orosz, Alejandro Magallanes, Tomi Ungerer, Art Chantry, Alain Le Quernec, Shin Matsunaga y Paula Scher, entre otros.

Siempre inquietos, a fines de 2013 incursionaron en la escultura. Fueron invitados a la muestra colectiva “Territorios de la precariedad” en el Centro Cultural Recoleta, donde en lugar de llegar con una pieza gráfica, el día del montaje el Fantasma de Heredia se presentó con una obra hecha en vidrio, cuyas puntas filosas salían de la pared. Un factor que posiblemente define un concepto de unidad como experiencia de estudio.


  • > Eclipse. Afiche 1/0serigrafía. Formato 130x90cm.2001. Afiche para las actividades del grupo internacional Collective Distribution. Medalla de Oro, 7ma Trienal Internacional del Afiche, Toyama, Japón 2003.Premio Especial del Jurado, Festival Internacional de Afiches de Chaumont, Francia 2003.


  • > 1er Festival Gratuito de Danza Contemporánea de la Ciudad de Buenos Aires. Afiche y catálogo. Año 2000.


  • > De cerca nadie es normal. Títulos para película de Nómade Films Producciones.


  • > Rene Wanner. Tributo a Rene Wanner a pedido de la Bienal de Bolivia. 2013.


  • > De cerca nadie es normal. Títulos para película de Nómade Films Producciones.

Entre muchos reconocimientos los integrantes de El Fantasma de Heredia destacan el Primer Premio Nacional por la Identidad para la Fundación Memoria del Holocausto, el Icograda Excellence Award en el Festival Internacional de Afiches de Chaumont (Francia), una Medalla de Oro en la Trienal Internacional de Afiches de Toyama (Japón), y la Presidencia del Jurado Internacional de la Bienal de Afiches de Varsovia (Polonia).

Además de los país citados, los trabajos de El Fantasma han sido exhibidos y publicados en Argentina, China, Finlandia, Rusia, Alemania, República Checa, México, EEUU, Bolivia, Bélgica e Israel.


Para más información:

http://www.flickr.com/photos/elfantasmadeheredia

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